POSTIMPRESIONISMUS (Vincent van Gogh)

Vasilij Kandinskij si zvolil kariéru malíře poměrně pozdě – ve třiceti letech. Stal se slavným avantgardním umělcem a jedním ze zakladatelů neobjektivního umění. Dnes patří Kandinského plátna k nejdražším obrazům ruských umělců.

Vzrušující Monet a báječný Wagner

Vasilij Kandinskij se narodil v Moskvě v roce 1866. Rodina jeho otce byla zámožná s bohatými kulturními tradicemi. Když byl budoucí umělec malý, Kandinskyovi hodně cestovali po Rusku a Evropě. V roce 1871 se přestěhovali do Oděsy, kde hlava rodiny provozovala čajovnu. Vasilij Kandinskij začal dostávat systematické vzdělání: navštěvoval klasické gymnázium, bral lekce hry na klavír a violoncello a učil se kreslit. Již v těchto letech začal s odvážnými experimenty s barvami, kombinoval a míchal všechny možné odstíny.

Na naléhání rodičů vstoupil Kandinsky na právnickou fakultu Moskevské univerzity.

— studoval práva a ekonomii. V roce 1889 budoucí umělec přerušil studium, aby se vydal na etnografickou expedici do Vologodské provincie. Díla severních mistrů – lidové hračky, vyřezávaná kolovrátky, výšivky a ikony severského písma – ho inspirovaly po mnoho dalších let.

V roce 1893 získal Vasilij Kandinskij právnický titul a našel si zaměstnání. Stal se ředitelem moskevské tiskárny „Partnerství I. N. Kušnerev a spol.“

V roce 1896 se v Moskvě konala výstava francouzských umělců, mezi obrazy byla i plátna Clauda Moneta. Vasilij Kandinskij byl šokován jeho dílem „Kupka sena“: „Měl jsem neurčitý pocit, že na tomto obrázku není žádný námět. S překvapením a rozpaky jsem si však všiml, že tento obraz vzrušuje a uchvacuje, nesmazatelně se vryje do paměti a najednou se nečekaně objeví před očima až do nejmenších detailů.“Přibližně ve stejnou dobu slyšel operu Richarda Wagnera Lohengrin, kterou nazval „Uskutečnění mé pohádkové Moskvy“Pod vlivem těchto dvou silných dojmů se Kandinsky rozhodl opustit svou práci a stát se profesionálním umělcem. V té době mu bylo 30 let.

„Modrý jezdec“ a teorie abstraktního umění

Vasilij Kandinskij začal studovat malbu, nejprve v Petrohradu v soukromém ateliéru Antona Ašbeho a od roku 1900 na mnichovské Akademii umění. Jeho mentorem byl malíř a sochař Franz von Stuck, kterého fascinovaly nejnovější umělecké techniky oněch let. Stuck donutil Kandinského, milovníka čisté barvy, malovat černobíle a pracovat výhradně s formou.

Kulturní život Mnichova se Vasiliji Kandinskému zdál dusivě konzervativní. Opustil akademii, začal se věnovat kritice a hledal lidi se stejným smýšlením. Umělec snil o tvorbě zářivých neakademických děl a pořádání inovativních výstav. V roce 1901 založili Kandinsky, Waldemar Heckel, Rolf Nitzky a Wilhelm Huisgen umělecké a tvůrčí sdružení „Phalanx“. V roce 1903 umělec namaloval „Modrého jezdce“ – je považován za Kandinského první abstraktní obraz.

Vasilij Kandinskij hodně cestoval: navštívil Itálii a Francii, navštívil severní Afriku, občas přijel do Ruska a účastnil se tam uměleckých výstav. „Falanga“ se rozpadla a v letech 1908-1909 žil umělec v Bavorských Alpách – ve vesnici Marnau. Charakter jeho pláten se změnil: od raných barevných impresionistických skic přešel k barevným a okázalým kompozicím s prvky lidové malby.

V roce 1911 založil Vasilij Kandinskij a jeho expresionistický přítel Franz Marc tvůrčí sdružení „Modrý jezdec“. Kandinskij později vzpomínal: „Název ‚Modrý jezdec‘ jsme vymysleli u konferenčního stolku v zahradě v Sindeldorfu. Oba jsme milovali modrou, Mark miloval koně, já milovala jezdce. A název k nám přišel sám.“Skupina zahrnovala umělce, tanečníky a skladatele. Členové Modrého jezdce se zajímali o středověké a primitivní umění a populární evropské směry fauvismu a kubismu. Ve stejném roce se konala první samostatná výstava Vasilije Kandinského.

Brzy umělec vydal svou knihu „O duchovním v umění“ – unikátní teorii abstrakcionismu. V ní rozebíral asociace, které každá barva, linie a geometrický obrazec v divákovi vyvolává. Například teplou červenou přirovnal k pocitu síly a energie, tmavě zelenou k předtuše a šedou nazval „beznadějnou nehybností“. V roce 1913 byly vydány Kandinského paměti a sbírka básní „Zvuky“ s barevnými i černobílými litografiemi.

„Barva je tóninou; oko je kladívkem; duše je mnohostrunným klavírem. Umělec je ruka, která pomocí té či oné tóniny cíleně uvádí lidskou duši do vibrací.“

Jednou z nejneobvyklejších skutečností v uměleckém světě je příběh o tom, jak si Van Gogh uřízl ucho. Po pouhých 37 letech pozemského života zažil osamělost, pronásledování, šílenství a tragickou sebevraždu. Jeho jméno bylo široké veřejnosti málo známé. Malování se věnuje pouze posledních deset let a prodal se pouze jeden obraz („Červené vinice v Arles“, Puškinovo státní muzeum výtvarných umění). Je neuvěřitelné, že jeho tvůrčí pozůstalost čítá asi tisíc kreseb a stejný počet obrazů, které vznikly v tomto krátkém období plném obětavé a titánské práce.

Vincent se narodil 30. března 1853 v Nizozemsku ve vesnici Grot-Zundert v rodině protestantského kněze. Byl nejstarší ze šesti dětí. Podle jeho příbuzných se vyznačoval obtížnou povahou, zatímco jeho okolí zaznamenalo jeho přátelskost a soucit ve vztazích s lidmi.

V sedmi letech začal studovat na vesnické škole. A již v roce 1864 Vincent vstoupil do soukromé internátní školy. Po dvou letech se přestěhoval na Tilburg College, kde se začal projevovat jeho talent na jazyky a kreslení. Ale v roce 1868, neschopný unést odloučení od rodiny, se vrátil domů.

Rodinná tradice umělcovy rodiny se skládala pouze ze dvou typů činností: obchodu s uměleckými díly a farní činnosti. Zkouší se jako obchodník s uměním i jako pastor, ale jeho vášeň pro výtvarné umění přebírá.

V 15 letech začal pracovat v umělecké a obchodní společnosti v Haagu. O čtyři roky později byl převeden do londýnské pobočky. Tam se stal úspěšným obchodníkem, dobře zběhlým v umění anglických rytců a umělců. To mělo významný vliv na jeho další uměleckou tvorbu. Poté se přestěhuje do Paříže, kde pracuje v centrální pobočce firmy Goupil, o dva roky později však upadá do stavu „bolestivé osamělosti“ a je nucen opustit zaměstnání.

Po návratu domů se rozhodne připravit na teologickou fakultu. Van Gogh si uvědomil, že drsné učební prostředí neodpovídá jeho představám, vstoupil do misionářské školy, po níž v roce 1879 odcestoval na jih Belgie jako kazatel. Bere si k srdci utrpení obyčejných lidí a dokonce odmítá vymoženosti a rozdává majetek. Ale jeho úsilí bylo marné. A ve svých raných dílech upřímně zachytil obrazy selských žen a horníků.

A znovu se dostavilo zklamání a depresivní nálady. Jeho věrný bratr Theo, který věří ve Vincentův talent, mu přichází na pomoc a pomáhá mu pokračovat v uměleckém vzdělávání v Bruselu, Antverpách a poté v Paříži. Tyto dva pařížské roky (1886-1888) pro něj byly neuvěřitelně produktivní. Setkal se s významnými představiteli impresionismu a postimpresionismu: Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin. Vincent se intenzivně ponořil do uměleckého života Paříže: studoval obrazy velkých mistrů v Louvru, analyzoval japonské umění, navštěvoval výstavy současných umělců a pokračoval v hledání vlastního stylu.

Z Paříže v roce 1888 se Van Gogh vydal na jih Francie do Arles (Provence). Je plný velkolepých plánů. Klade si nelehký úkol – namalovat jeden nebo dva obrazy, pracovat šestnáct hodin denně a získat důvěru ve své dovednosti. Sní o tom, že zde vytvoří „Dílnu jihu“, kde zahájí činnost bratrstvo umělců.

Do Arles ale přijel pouze Paul Gauguin. Přátelství, které Vincenta inspirovalo, skončilo hádkou. V zoufalství si uřízl ušní lalůček. Gauguin spěšně odjel do Paříže a krvácející Vincent byl převezen do psychiatrické léčebny. Theo vezme svého bratra na léčbu do psychiatrické léčebny v Saint-Rémy, kde se nemůže vzdát své kreativity. Za 12 měsíců vytvoří asi 200 pláten, dále se vyvíjí ve svých dílech, ve kterých se tak jasně projevuje jeho rozpoznatelný styl expresivního hustého krouživého štětce. 29. července 1890 Vincent spáchal sebevraždu a zemřel v náručí svého bratra Thea.

„Jeho jazyk je jazykem extrémních stavů, ohnivou pecí kreativity. Jeho inspirace, lidskost a ne lhostejnost k lidem a jejich problémům – to vše tvoří základ jeho nejlepších děl. Je to jako maják pro budoucí generace“ (David Addison)

Terasa noční kavárny

1888, Kröller-Müller Museum.

„Night Café Terrace“ vznikla během nejjasnějšího a nejnadějnějšího období umělcova života. Na začátku podzimu roku 1888 se Van Gogh přestěhoval do Arles a užíval si pohodlí provinčního vnitrozemí. Badatelé jeho díla poznamenávají, že i přes nechuť ke každodenním tématům překonal sám sebe a zobrazil lidi sedící na terase kavárny pod hvězdnou oblohou.

Během tohoto období kreativity se ani jedno plátno neobešlo bez mistrovy oblíbené žluté, slunečné barvy. Další vášní umělce byla noční obloha posetá hvězdami. V tomto díle se tyto dvě vášně spojily.

Dlouho předtím, než se Vincent přestěhoval do Arles, snil o malování noční krajiny. Nejprve se zrodila „Starry Night Over the Rhone“. Existuje legenda, že Van Gogh při práci připevnil svíčky na okraj svého slaměného klobouku, aby osvětlil plátno, protože pouliční osvětlení bylo příliš slabé. O své práci na obrazu noční kavárny se zmínil v dopise své sestře Wilhelmině. A v dopise svému bratru Theovi Vincent napsal, že hvězdy na noční obloze jsou jako černé tečky na neznámé mapě, ukazující vzdálená města.

Umělec používá oblíbené téma impresionistů. Ale jeho nejobyčejnější večerní panoráma města postrádá jakoukoli obyčejnost. Snaží se přitáhnout pozornost veřejnosti k barevnému řešení, které vytváří jedinečnou atmosféru obrazu. Zvolená barva činí tvorbu tohoto umělce nepochybně inovativní.

Nutno podotknout, že při ztvárnění noční krajiny umělec nepoužil jedinou kapku černé barvy. A je to neuvěřitelné! Divák je ohromen pestrostí barev noci. Světelný zdroj (žlutá terasová lucerna) nepochopitelně barví noční zákoutí městečka do těch nejromantičtějších barev – od růžové po jemnou šeříkovou.

Lidé na obrázku jsou jakousi ozdobou, která hraje roli pozadí. Mnoho volných stolů na terase působí na diváka lákavě. Mimovolně začínáme slyšet zvuky noční ulice a vůně aromatické kávy. Ale přesto jsou hlavními postavami obrázku noční obloha a žlutá barva.

Přeneste proměnlivou hru světla a stínu, demonstrujte expresivitu přírody, zosobněte lidský impuls k harmonii, štěstí a klidu. Přesně tyto pocity prostupují dílo „Night Café Terrace“.

Má děj “Cafe Terrace at Night” něco společného se slavnou Poslední večeří? Vlastně neznámý. Vincent sám nezanechal žádné poznámky ani vodítka, ale kritici práci pozorně prostudovali a identifikovali několik podobností.

„Zajímavou teorií, kterou předložil badatel Jared Baxter, je, že tento obraz od Van Gogha odráží motiv z Poslední večeře. Dá se s ním docela souhlasit. Jaké prvky na plátně dokazují tuto teorii?

– za prvé, samotný počet návštěvníků kavárny se rovná počtu hrdinů večeře (Kristus s 12 apoštoly včetně Jidáše). Uprostřed je číšník s dlouhými vlasy a bílým rouchem, připomínající Krista. Kolem něj je dvanáct návštěvníků kavárny, což se rovná počtu apoštolů, a jeden z nich stojí ve dveřích. Stín zakrýval jeho postavu (na rozdíl od zesvětlené postavy Krista). Je snadné uhodnout, že jde o Jidáše

-za druhé, hned za zády číšníka (který je prototypem Krista) je okenní rám v podobě křesťanského kříže.

— za třetí, použitý motiv je odkazem na biografii samotného umělce. Než se začal věnovat malbě, chtěl slavný nizozemský umělec „kázat evangelium všude“. Podařilo se mu dokonce nějakou dobu pracovat jako pomocný pastor, číst Písmo negramotným a kázat, zatímco studoval u svého strýce teologa. Jeho osud se však vyvíjel jinak a nikdy se mu nepodařilo stát se knězem. Právě v období malování tohoto obrazu napsal Van Gogh svému bratru Theovi, že „velmi potřebuje náboženství“. Je pravděpodobné, že umělcova nenaplněná touha být blíže Bohu se na jeho plátně objevila v podobě skrytého biblického motivu.

– za čtvrté, jak víte, motiv Poslední večeře je spojen s eucharistií (svěcení a přijímání chleba a vína). Kristus podává jídlo svým apoštolům, stejně jako číšník podává jídlo svým zákazníkům.

– a poslední věc: ústřední postavu číšníka (Krista) osvětluje jasná záře z lucerny, která mu visí nad hlavou.

Všechny tyto důkazní argumenty skutečně poskytují základ pro zahrnutí biblického motivu Poslední večeře v námětu obrazu Vincenta Van Gogha.“

„Most přes propast“ od Paoly Volkové. Vydání 11.

Vincent Van Gogh “Noční kavárna v Arles”

srpna 1888, Londýnská národní galerie

Série obrazů zobrazujících slunečnice se stala jedním z umělcových nejznámějších děl. „Slunečnice“ se pro Van Gogha staly jakousi vizitkou. V jeho tvůrčím dědictví zaujímají podle historiků umění stejně důležité místo jako „La Giaconda“ v díle Leonarda nebo „Černé náměstí“ v díle Malevicha.

Jak víte, Vincent často maloval květiny. Jsou zde jeho plátna zobrazující větve kvetoucích stromů – jabloně, akáty, mandle, kaštany. Rád kreslil i jednoduché polní květiny – sedmikrásky, máky, chrpy a dokonce i bodláky. Ale Van Gogh měl zvláštní lásku ke slunečnicím, o kterých opakovaně psal svému bratrovi. Umělec v dopisech přiznal, že tuto rostlinu spojuje sám se sebou. Mohlo to být způsobeno tím, že jsou to žluté květy. A tato barva, jak víte, byla malířova oblíbená.

Dvě řezané slunečnice. Paříž, září 1887

Olej na plátně42×6 Metropolitan Museum of Art, New York, USA

Čtyři řezané slunečnice. Paříž, září 1887 1887

Olej na plátně 60×100. Oterlo, Kroller-Mollerovo muzeum

Pokud obrazy „Slunečnice“ vytvořené Van Goghem v Paříži vyjadřují depresivní náladu, pak je cyklus děl vytvořený o rok později v Arles naopak plný světla a radosti. Je to dáno tím, že kdysi tady umělec, okouzlený jihem Francie, zažil velký emocionální vzestup.

Léto v Arles bylo pro umělce poznamenáno „žlutou notou“: maloval západ slunce, městská světla a snopy slámy, ale slunečnice absorbovaly všechny odstíny žluté, které duševně nemocný člověk tak postrádal. Zdá se, že jejich šťavnaté stonky, okrově načervenalé, oranžově slunečné květy vyzařují záři, i když velmi slabou, ale stále záři.

Van Gogh původně maloval slunečnice, aby ozdobil svůj domov v Arles při příjezdu svého přítele Paula Gauguina. Chtěl vytvořit alespoň dvanáct panelů s jeho oblíbenými květinami, ale za celé léto se mu přes velkou horlivost podařilo namalovat jen čtyři obrazy. Byli umístěni v pokoji pro hosty. Oba umělci tam společně pracovali od října do prosince 1888.

Ze série obrazů „Slunečnice“ počaté a vytvořené v Arles se jedno z děl nenávratně ztratilo (zbyla jen jeho fotografie). Obraz byl zničen během druhé světové války v důsledku bojů v Japonsku. Osud dalších obrazů byl úspěšnější: jeden z obrazů cyklu zobrazující tři slunečnice je uložen v jedné ze soukromých sbírek v USA a další dva, které se staly nejznámějšími, jsou v Londýně a Mnichově.