Navody

Styly a trendy ve výtvarném umění. Rozdělení obrazů na styly a trendy. Kapitola 3

Metarealismus (odvozeno z řeckého meta — mezi, po, skrz a gealis — materiální, skutečný) — realismus mnoha realit, propojených kontinuitou metabolických transformací a změn stavů. Existuje realita otevřená vizi mravence, realita otevřená putování elektronu a realita složená do matematického vzorce. Metareální obraz, metamorfóza, metabola je způsob, jak propojit všechny tyto reality a potvrdit jejich rostoucí jednotu.

Metafyzická malba — (z řeckého meta — po a phisika — příroda, metafyzika — věda o duchovních jevech nepřístupných empirickému poznání, transcendentální principy světa) — hnutí v italském umění, které vzniklo v roce 1916 ve Ferraře. Jeho tvůrci byli malíři Giorgio De Chirico, Carlo Carra, Giorgio Morandi. Následně Morandi a Carra změnili svůj styl a jediným vůdcem zůstal de Chirico, v jehož obrazech geometrizace a zmrazené formy symbolizovaly „věčnost, metafyziku času a prostoru“, iracionální spojení mezi zdánlivě nesouvisejícími objekty. Metafyzické umění se nerozšířilo, ale mělo velký vliv na ostatní umělce. Mělo blízko k symbolismu a stalo se předchůdcem dalšího silného uměleckého hnutí — surrealismu.
Termín „metafyzické umění“ lze v širším smyslu použít jako synonymum pro iracionální, nelogické, tajemné.

minimalismus (odvozeno z anglického minimal art – minimal art) – umělecké hnutí založené na minimální transformaci materiálů používaných v tvůrčím procesu, jednoduchosti a jednotnosti forem, monochromatičnosti, tvůrčí zdrženlivosti umělce. Minimalismus se vyznačuje odmítnutím subjektivity, reprezentace, iluzionismu. Minimalisté odmítají klasické techniky a tradiční umělecké materiály, používají průmyslové a přírodní materiály jednoduchých geometrických tvarů a neutrálních barev (černá, šedá), malé objemy, uplatňují sériové, dopravníkové metody průmyslové výroby. Minimalismus vznikl ve Spojených státech v první polovině 60. let. Mezi nejreprezentativnější minimalisty patří: K. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin, S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman.

Moderní (odvozeno z francouzského moderne — nejnovější, současný) — styl v evropském a americkém umění na přelomu 1848. a 1903. století. Secese přehodnotila a stylizovala rysy umění z různých období a vyvinula vlastní umělecké techniky založené na principech asymetrie, ornamentiky a dekorativnosti. Jejími charakteristickými rysy jsou: odmítnutí přímých linií a úhlů ve prospěch přirozenějších, organických linií. To vysvětluje nejen zájem o rostlinné ornamenty v secesních dílech, ale také jejich kompoziční a plastickou strukturu — hojnost křivočarých obrysů, plynulých, nerovných kontur připomínajících rostlinné formy. Umělci, kteří malovali v secesním stylu: Paul Gauguin (1862–1918), Gustav Klimt (XNUMX–XNUMX).

Naivní umění, naivní — výtvarné umění lidového umění; tvořivost samouků; a také amatérské umění.

Naturalismus (odvozeno z latinského naturalis – přirozený) – směr v literatuře a umění poslední třetiny 19. století, usilující o objektivně přesnou a nezaujatou reprodukci pozorované reality. Předpokládá se, že naturalismus reprodukuje realitu bez jejího ideologického chápání, uměleckého zobecnění, kritického hodnocení a výběru.

Neoklasicismus, De Stijl — termín označující umělecké jevy poslední třetiny 1825.–1905. století, které se vyznačují odkazem na tradice antického umění, umění renesance nebo klasicismu. Vznik neoklasicismu je dán touhou postavit do kontrastu určité „věčné“ estetické hodnoty s úzkostnou a rozporuplnou realitou. Nejslavnější umělec tohoto malířského směru: Adolphe William Bouguereau (XNUMX–XNUMX)

neoplasticismus — jedna z raných odrůd abstraktního umění. Vytvořeno v roce 1917 nizozemským malířem P. Mondrianem a dalšími umělci, kteří byli součástí sdružení „Styl“. Neoplasticismus se podle jeho tvůrců vyznačuje touhou po „univerzální harmonii“, vyjádřenou v přísně vyvážených kombinacích velkých obdélníkových obrazců, jasně rozdělených kolmými čarami černé barvy a malovaných v lokálních barvách hlavního spektra (s přidáním bílých a šedých tónů).

Realismus a minimalismus najdeme v moderním webdesignu, secesi ovlivněné ilustraci a knižní grafice a v brandingu se dodnes používá pop art a kýč. V tomto článku budeme hovořit o tom, jak se umělecké styly proměnily a odrážejí v moderním designu.

zvládnout nejpopulárnější neuronové sítě pro designéry

Realismus

Realismus je hnutí v umění, které se objevilo v polovině 19. století. Samotný termín byl formulován francouzským kritikem Julesem Chanfleurym, aby jej porovnal s romantismem a akademismem. Realističtí umělci se snažili vykreslit realitu co nejpřesněji. Umělci jako Gustave Courbet, Edouard Manet a Honoré Daumier se považovali za realisty. V Rusku – Ilya Repin, Alexander Savrasov a Ivan Shishkin.

Myšlenky realismu převzaly web design a design rozhraní. Realistické obrázky prvků v rozhraní, které simulují objem, světlo, stíny, světla a textury, jsou ve stylu skeuomorfismu. Steve Jobs byl jeho velkým fanouškem, a proto měla raná rozhraní Applu tak realistické ikony.

Později byl tento styl přehodnocen a objevil se neomorfismus. Také používá různé textury, stíny a světlo k vytvoření rozměru, ale má modernější vzhled.

Jaké směry existují v designu?

test kariérového poradenství

Zjistěte, která designérská kariéra je pro vás ta pravá

Kubismus

Kubismus začal kontroverzním dílem Pabla Picassa Les Demoiselles d’Avignon, které zobrazuje pět žen geometrickým a stylizovaným způsobem. Ale Picassovi přátelé a podobně smýšlející lidé ho za tento revoluční obraz odsoudili a dlouho ho nechtěli vystavit.

Kubisté zobrazovali objektivní svět pomocí jednoduchých geometrických tvarů. Umělci se inspirovali africkým uměním: jednoduchostí kompozice, způsobem konstruování forem založeným na geometrizaci a stylizaci, výrazem a osvobozením od evropských kánonů.

Moderní grafici se stále obracejí k myšlenkám kubismu a jeho prvky využívají v reklamě, plakátech, billboardech a knižních ilustracích.

Moderní

Secese vznikla ve Francii na konci 19. století. Styl se stal reakcí na průmyslovou revoluci: umělci se snažili najít harmonii mezi užitým a výtvarným uměním, vnést krásu do každodenního života. Secese zahrnovala všechny oblasti: od výtvarného umění a plakátové grafiky po architekturu a produktový design.

Rysy secese jsou symbolika, odmítnutí přímých linií ve prospěch hladkých, zájem o dekorativní a užité umění a květinové vzory.

Moderní návrháři používají zdobená písma a květinové vzory v knižní grafice, plakátech a značkách.

Design Wave je vaše expresní ponoření do designérské profese. Zúčastněte se vysílání s odborníky, plňte jednoduché praktické úkoly a získejte dárky.

Pop art

Tento styl se objevil v polovině 1950. a 1960. let. Vypůjčil si obrázky z populární kultury: reklamy, komiksů a časopisů.

Nejznámějšími díly ve stylu pop art jsou stylizované komiksy Roye Lichtensteina a díla Andyho Warhola. V roce 1962 vytvořil Warhol slavnou „Campbell Soup Can“ a doslova přenesl reklamní plakáty na stěny galerie.

Pop-art a estetika spotřební kultury se v brandingu používají dodnes. Kolážové techniky, jasné barvy, nápisy a kresby napodobující komiksy lze vidět v reklamě, na obalech hudebních alb a rozhraních.

expresionismus

Expresionismus je směr v evropském umění, který vznikl na počátku 20. století v Německu a Rakousku. Expresionismus vznikl jako reakce na první světovou válku. Umělci se snažili graficky vyjádřit emoce, které zachvátily společnost: zklamání z humanismu, zoufalství a deprese.

Charakteristické rysy expresionismu: zkreslené a protáhlé proporce postav a krajiny, hranaté linie, kontrastní barvy. Nový směr se promítl do malby, kina, divadla a designu.

Kýč

Slovo „kýč“ se objevilo během éry průmyslového růstu v 19. století v Německu. Kýč byl název pro sériově vyráběné americké umělecké předměty, které se začaly ve velkém objevovat na německých uměleckých vernisážích. Doslova z němčiny se „kýč“ překládá jako „udělaný ve spěchu, hackeři“. Od té doby se slovo začalo používat a začalo znamenat vulgárnost a nevkus.

Ale ve druhé polovině 20. století, kdy se umělci začali zajímat o masovou kulturu, se status kýče změnil a získal pozitivní konotaci. Jasné a kontrastní barvy v designu, kombinace různých stylů a epoch, využití mediálních obrazů a masové kultury jsou hlavními prvky kýče.

Dnes se kýč promítá do brandingu, tvorby plakátů, pohlednic, obalů hudebních alb, obalového designu a dalších oblastí grafického designu.